9 月 21 日，脑瓜团队带着武藏野美术大学基础设计系教授板东孝明，来到了同济大学创意学院，举办了一场关于“设计美学”的讲座，主题为从符号学的设计美学视角发现隐藏之美（find hidden beauty）。
板东孝明老师讲座现场
这是脑瓜第一次策划的偏“学术方向”的设计讲座，加上原计划的日程因台风登陆而有所调整，但最终讲座现场仍座无虚席，令我们深受感动。再次感谢同济大学创意学院杜钦老师、武藏野美术大学基础设计系板东孝明教授的大力支持，以及到场的各位朋友，你们给了我们继续坚持的力量。
1. abduction 构想：设计的核心概念
设计要如何去定义呢？今天我们将用符号学的角度去探索。
首先我要给大家介绍的是皮尔斯符号的中的三个概念：演绎（deduction）、归纳（induction）、构想（abduction）。
第一个是演绎（deduction）。
我们通常会以哲学家苏格拉底为例去解释这几种思维模式，在演绎中用到了三段论法，即为：苏格拉底是人，人会死，所以苏格拉底会死。这是一个非常完美的逻辑。
第二种思维模式是归纳（induction）。
我们也称其为推论，再以苏格拉底为例：苏格拉底是英俊的，苏格拉底是人，所以人都很英俊。这句话在逻辑上就有问题了。
第三种思维模式abduction会比前两者都更难理解一些，日语中称之为“假说形成”，中文也称之为 “遡因” 或 “构想” ，这个理论是由美国的一位哲学家兼数学家皮尔斯提出的。有一个较为烧脑的例子是：树会梦到宇宙，苏格拉底会梦到宇宙，所以苏格拉底是一棵树。说到这里大家可能会非常疑惑，但这恰好是设计中最重要的符号学概念：我们人类也是像树一样的存在。
构想 abduction：皮尔斯符号学中的一个重要概念，皮尔斯学者普遍译为“试推”或“溯因”。在即将出版的向井周太郎的《设计学》中文译本中，参考了日本的皮尔斯学者鹤见俊辅先生的翻译版本“构想”。
接下来我会再更具体地举例说明一下。
凹槽可以盛水，玻璃杯是一个凹槽，因此结论是玻璃杯可以盛水。这就是刚才所说的三段论法，有一套完美的逻辑，演绎就像数学等式一样，无论是在地球、月球、木星、太阳…哪里都是成立的。
接下来同样地举例，玻璃杯可以盛水，玻璃杯是一个凹槽，那就是说世界上所有的凹槽都可以盛水。这个看似和演绎很像，但其实是有区别的，如果凹槽底下有个洞那水就会漏出去，这就是归纳，是科学性的。比方说，牛顿发现万有引力的时候所有人都觉得他是对的，但到了 20 世纪爱因斯坦提出了相对论又发现时空其实是扭曲的，万事都有例外，这就是科学。
最后是这个凹槽可以盛水，这个玻璃杯也可以盛水，那我们就可以发现这个玻璃杯是一个凹槽，但并不知道杯子里面能放什么，如果放一朵花那么它就会变成花瓶，这就是设计。
总结来说，今天我想要介绍的第一个思维方式就是，abduction，换个说法就是 if so……，这样的思考方式在设计思维中非常重要。 这一符号学理论的创始人就是皮尔斯。而把这样一个理论带到乌尔姆造型学院的是马克思・本泽，最后经由向井周太郎，带到了日本的武藏野美术大学的基础设计系。
2. icon 象似符：联想的符号
如果这里有中日两面国旗，我们在座所有人都能立即辨认它们，并会将其作为一件理所当然的事情，这就称之为“规约符（symbol）”，有点像是数学的公式。
再比如有两个矩形，里面分别写着“男”“女”，我们就能大概知道这是洗手间，这是因为有社会经验所导致的，我们也不会将洗手间的男女标识认成是一对情侣或者兄妹，那么这就是“指示符（index）”。
如果我们将洗手间这个标志性的男女标识变成两个人的剪影，我们还能认出这是洗手间吗？两个人中间有一条线是一对吵架的夫妇吗？还是公寓的邻居呢？这就成了“象似符（icon）”，它的特点是可以让人产生各种各样的联想。
我们再用美术中的一些例子来说明。这是马格利特一幅著名的画作《这不是一支烟斗》，但这确实画的是一支烟斗，可能马格利特想要表达的是“这一幅烟斗的画作而不是烟斗本身”，又或者可能是想说“画作和语句并不是一定存在直接的联系”。
现代艺术家科苏斯的作品《一把和三把椅子》中，包含一把真实的椅子、一张椅子的照片以及一段对于椅子的说明，似乎是同一样东西但又不完全相同，但最后我们又能意识到他们是同一样东西。从马格利特、科苏斯的这类作品中我们可以发现，现代艺术总是存在这种象似性（iconicity）。
这就是今天所要介绍的第二个设计中的关键词——象似符（icon）。
3. degeneration 退行：另一个美学视角
大家一般会认为设计是把不完整的东西变的完整，也就是生成（generation），比如建筑设计就是一个完美的例子。但我今天想给大家介绍的，与传统的生成相反的退行（degeneration） 概念，即从一种从秩序到混沌的逆向“生成”。从完美到不完美的这一过程中感受到“美”，这就是日本的文化中的 “侘寂”（wabisabi）。
这里让我们回顾一下欧洲的近代艺术的发展，之前所有的传统绘画都是风景、人物或者宗教主题的写实绘画，但在 20 世纪 20 年代左右开始，绘画发生了 180 度的转变。为什么会发生这样的转变呢？传统绘画的主题通常是对自然的模仿（mimicry），利用三原色、点、线、面这些基础的元素生成（generate）一幅漂亮的画作，而在近代艺术，则对这一过程的破坏，使其又回退行到了最初的元素层面。
此外，在日本文化中，我们也能在许多事物中看到“退行”的表现。
第一个例子是金缮，这种工艺通过用金修补破碎的陶器，反而赋予了破损之物新的美感；另一个例子是宋代中国的水墨画家牧溪的作品，他着重表现画面中的空白部分，这一技法在日本获得了极高评价，而日本画家长谷川等伯的《松林图》在很大程度上受牧溪的影响；再者，茶师千利休的茶杯，这件看似如儿童作品般质朴的物件，却被奉为日本国宝，其斑驳的表面展现了宇宙的整体；最后，在神篱的四根柱子围成的简单空间中，人们能够想象到中间神明的存在。通过这些事例可以看出，日本文化极为重视 “间” 所展现的美学价值。
间（ma、ま）：日本文化中一个非常重要的概念，指的是空间、时间，甚至人与人之间关系中的“间隔”或“余白”。这个概念在建筑、音乐、戏剧以及日常生活的各个方面都能看到。例如，在茶道中，递茶碗的时机和动作的节奏由“间”决定。再如，在庭园设计中，石头和植物的排列中融入了“间”，从而实现整体的和谐。
就像太极阴阳图一样，一般人会认为设计是“阳”的部分，也就是“生成”的部分。但只要有“阳”，“阴”的部分也会在同时随之产生。设计其实上是“阴阳”这个整体。在这里，我想引用东京艺术大学的创始人冈仓天心先生所撰写的 《茶之书》 中的一句话：
只有在心灵上完成未完成之物的人，才能发现真正的美。 True beauty could be discovered only by one who mentally completed the incomplete.
4. 桂离宫：“退行之美”的宝库
如果大家将来来到日本，除了富士山和秋叶原这些著名景点，一定要去一次桂离宫。这座四百年前的建筑可以说是“退行”之美的宝库，更是设计的教科书。
摄影家石元泰博曾在美国新包豪斯学习后回到日本，为桂离宫拍摄了一本名为 《桂》 的摄影集。在他的照片中，我们可以发现一种西方构成美学的影子，但对象却是四百年前的日本建筑。石元泰博无疑通过西方视角重新审视了日本文化。类似的对比也出现在密斯·凡·德·罗的范斯沃斯住宅中。
另外，我特别想介绍桂离宫中的 “跳石”（飛び石） 。从这些照片中可以看出，这些跳石构成得非常优美，其实这些石头来自日本各个地方，有些甚至是从中国运来的。而它们并没有按直线排列。我猜想，桂离宫的建造者可能是为了让人们在走过这条弯曲的道路时，不仅需要小心留意脚下，还要注意周围的环境，感受庭园的自然美景。
这个像农家小屋一样的房子其实是天皇的茶室，屋顶和地面都建得相当粗糙。像这样乡野的情趣和最先段的技术在桂离宫中得以共存，从而使其展现出一种脆弱（fragile） 之美。
桂离宫中直线的结构与像跳石这样的随意排布构成了一种两义性。在笔直的道路上一块跳石冲破了这个完美的结构，缓解了空间的紧张感。当你在什么都不了解的时候去桂离宫的话，肯定什么也注意不到，但一旦当你有了很好的眼光，你会注意到这其中所有的细节。
看似毫无关联的俄罗斯艺术家马列维奇的作品，其构成也有着与桂离宫相似的审美意识。
这个名为松琴亭的茶室的入口只有 80 厘米高，需要弯腰才能进入，当时的武士在进入的时候就需要卸掉所有的武器，也就是说在茶室内所有人身份都是平等的。而且，茶室外围棕色的墙壁、黄色的墙壁、木质的门、竖直排列的栏杆、白色的障子，所有的元素都无比和谐地构成一体。
进入茶室，你会发现内部空间十分狭小，但在这种狭窄中却能感受到一种无限的空间感。茶室的地面打扫得非常干净，然而墙壁却显得有些脏。如今的人们可能很难理解，但这些污垢实际上是故意用墨汁做出的纹理，在完美的环境中刻意加入了这种“不完美”的元素，形成独特的美感。而整体的构成感与蒙德里安的作品又很相似，它们都表现出了一种不对称（asymmetry） 的美感。
茶室赏花亭中的错棚也有着非常漂亮的结构，通常架子中间会有一根柱子相连，但这里只用了两块木板。这与极简主义艺术家唐纳德·贾德的作品有一种相似性。另一处茶室笑意轩中，我们可以看到窗户在一个很奇怪的位置，这也让我很容易联想到蒙德里安的作品。
空（emptiness） 的部分也是一种美。
通往御輿寄（玄关）的路上也铺设有跳石，和马列维奇的画作非常相似，本来可以直接相连的道路，却做成了这样一种特别的形态。还有这种故意做成碎裂状的石板路，苔藓从缝隙中长出来，让我一下子想到了保罗・克利那种带有音乐律动的绘画作品，经过了四百年，我们仍然拥有相同的审美意识。这样的不完整性（incomplete） 也是一种美。
桂离宫的美也可以总结为三个字：
真、行、草
- 完美态的“真”（perfect）。
- 中间态的“行”（transitional）。 不- 完美的“草”（imperfect）。
这三种美都体现在了桂离宫中。中国的书法中也有楷书、行书、草书、而“真、行、草”不仅仅可以形容书法，在茶碗、茶室、跳石中也蕴含有这三种特质，这三个字将三种特质以文字的形式表达了出来。
5. anonymous 匿名性：从曼荼罗到神輿
源自中国的曼荼罗中展现的其实是整个宇宙。由金刚界曼荼罗和胎藏界曼荼罗成的两界曼荼罗，在传到日本后在日本引起了巨大的轰动，其伴随的佛教思想也对日本产生了很大的影响。
佛教在公元 6 世纪传到了日本，同时期也传到了印度尼西亚，虽然印度尼西亚现在是伊斯兰教，但在当时受到了很多佛教的影响。位于印度尼西亚的世界遗产婆罗浮屠，其实就是曼荼罗的立体呈现，它的四周各有一扇门，最中间的佛塔的周围环绕着众多佛像。
在婆罗浮屠中有着名为“stupa”的佛塔，中间存有佛祖的舍利。这个佛塔传到日本之后成为了“卒塔婆”，卒塔婆的日语读音和“stupa”很类似，外观上也有相似之处。卒塔婆的形态后来衍生成了日本的五重塔，而五重塔在更深层的意义上也象征着天竺——在古代印度（现尼泊尔）境内一座被云层环绕的高山，山上住着神明。
在日本的江户时代有这样一幅关于须弥山的画，和曼荼罗一样这个山上也住了很多神明，而下方是海洋。虽然到没有确切的证据可以证明，但根据设计师杉浦康平先生的研究和推测，日本各地祭典中众人扛着的 “神輿” （神轿）的源头就是来源于这个须弥山的世界观。
在日本全国各地，存在着数以千计的神輿。每逢夏秋之交的祭典时节，随处可见年轻人扛着神輿庆祝的场景。尽管每座神輿的设计各不相同，但它们在样式上又有一些相似之处——四角绑着粗绳，轿顶上有一只凤凰，祭典时人们甚至会坐在神輿中或站在轿顶上。当然，为什么神輿是这种样式并没有明确的解释。
根据杉浦康平先生的描述，神輿与须弥山存在着对应关系：四角的绳子象征层层叠叠的云层，坐在轿子上的人代表一众神佛，而轿顶上的凤凰象征神明。祭典时人们扛着神輿行走，正是海洋的隐喻，神輿上下的颠簸如同波浪起伏。这不正是须弥山的象征吗？
虽然不知道是神輿具体是谁设计的，但它依旧以充满活力的姿态延续至今，这其中也包含着一种匿名性（anonymous）。在西洋文化中，我们通常可以看到比如这件作品是米开朗基罗是达芬奇创作的，展现的是某一个人的个性；但在亚洲的审美意识中，有很多这样并不知道是谁创造的东西却依然延伸至今，这也正可被称为一种 隐藏之美（hidden beauty） 吧。 🆃
主办： 同济大学设计创意学院媒体传达设计 武藏野美术大学基础设计研究室
协办： 脑瓜 atama